雕塑制作的发展与运用

小熊

　　在传统雕塑艺术中，制作是通过手工技巧完成的过程，作品通过熟练规范的技巧得以实现。早在希腊时期，就被认为美丽是神谕的，神谕是要经过人的技艺实现的。而在18 世纪之前,西方雕塑艺术就已经从制作技巧上,轻松的掌握了解剖、动态、形式和故事情节的表达，进而对于材料质感等方面表现力的控制能力以及制作技巧之高妙，让人叹为观止。传统材料以石材和金属铸铜为主，而作品最终所展示出来的结果是完美而高于自然的典范。在传统作品上对于材料的人工制作痕迹、制作过程和手工技法，会掩饰的无从考证。制作在作品里面似乎从来没有出现过、从未被使用过，而作品的永恒性和神圣感最终被体现成为传统雕塑艺术最完美的物化凝固状态。以技巧著称的17 世纪意大利著名雕塑建筑艺术家乔凡尼·洛伦佐·贝尼尼(Giovanni Lorenzo Bernini，1598-1680) 一生作品数量不亚于米开朗基罗, 其作品极尽繁冗，豪华，精细，张扬之能事。大理石在贝尼尼的手中好像已失去了重量，人物的衣服总是随风飘起，给人以轻快、活泼和不安的感觉，肌肤的柔软，布的轻薄，无不惟妙惟肖，制作技巧之高，后人难以企及。19 世纪末，西方艺术到了现代艺术的进程，制作工艺不再是为其他事物服务的技巧，而是艺术本身自我发展、自我完备、自成系统的语言方式。现代雕塑的早期艺术家在原有古典艺术的背景下，用出色的技巧依靠自身的感觉，使得作品具有非常的感染力。艺术作品本身不再遮掩制作痕迹，艺术品中高高在上的程式化的唯美渐渐隐退，艺术家自己内在的情感强烈地体现在作品当中。意大利的贾科莫·曼祖(Giacomo Manzu) 具有很高超的意大利传统雕塑技巧的同时，更加注重情感在作品表达的重要性。他希望观众能在作品中感受到一些永恒不变的经典艺术创造原则和人文价值，而对于这些文化背景的传达是借助他娴熟的而又不同于传统的制作技巧完成的。在工业文明背景下，艺术家进入了对雕塑形式美和材料美的探索阶段。与实用性分离而成为纯粹性艺术，完全为艺术而艺术，成为这个阶段雕塑的重要特征。现代艺术使用的是一种综合技巧，因为它的时时被实验，时时被打破，使得现代雕塑对材料和技术的拓展呈现出崭新的生机和活力，极大的丰富了现代雕塑的表现语言。1928 年，毕加索结识雕塑家朱利奥·冈萨雷斯，他和毕加索同样对于新的表达方式和材料有着浓厚的兴趣。冈萨雷斯是个训练有素的金属锻工和技工，有着纯熟的金银制作工艺，他善于领会毕加索的意图并发挥自己的想象空间，一起制作的大部分作品堪称绝世之作，他们竭尽所能的创造雕塑所有的形状，试验不同材料和新的制作工艺，开创了现代雕塑所有发展的可能性。随着一个又一个艺术运动轰轰烈烈的展开，一个又一个的新流派新主张的产生，艺术家把探索注意力移向了纯粹的艺术理念和艺术理念的表达功能上。从娴熟生动的技巧表现到纯洁冰冷的工业抽象,从现成物品直接放入展厅到视觉媒体照片使用、从真人表演、讲演到文字信息，艺术变成了极端的纯精神的产物，现代艺术把手工业造型技术和制作推到了穷途末路。
　　美国权威的艺术哲学家阿瑟·丹托(A.C.Danto)指出：“最近的艺术产品的一个特征就是关于艺术作品的理论接近无穷，而作品客体接近于零，结果在终点存在着纯粹形态的理论。那么我们就可以说，艺术快要终结了。”然而艺术家们集体的痛苦和反思往往预示着一个新的转机。“20 世纪70 年代后期貌似一个新时代到来现象”。形象回归预示着当代艺术已走出了困境，迎来了新的转机和复兴，后现代艺术很快成为了新的时髦字眼。现代雕塑艺术作品的机械性，直接否定人的技术制作在克服和超越困难中的痕迹，手工的技巧和精妙的趣味被扫荡一空，也丧失了手工劳动给人的直观、亲近和温暖的感觉。但是因为艺术是人性的变现，所以它会因为人的传统、记忆和习惯而不断出现复古运动，在复古运动中经常是以恢复手工造型技巧为特色。美国艺术家约翰·迪安德烈亚(John.DeAndrea)的照相写实雕塑作品，采用在真人身上直接翻模的方法获得人的形体，并用树脂和玻璃纤维等材料，制作加工，然后着色，最后植上头发和睫毛,运用了先进的技术制作出逼真的形象。艺术家把极其精密和复制出来的形象推到观众面前，也把人工制作的极端推倒了艺术的前沿。从用手工制作通过掌握高超技巧而达到精美的再现到对机器的使用而将不同材料的组合;从对抗制作而使用现成品到展现繁琐的制作过程对事物偏执的精准模仿复制，纵观雕塑艺术制作方式的发展，人工制作在当代雕塑艺术语言的回归和复苏是改良，是提高，是盘旋上升的，代表了艺术家开始走向了对人类内心及人类自身的深刻关注。
　　遍观当代崇尚制作感的雕塑作品，其充满着视觉触感的制作在语言上对“做功”的展现极尽功力。功夫不再是单指艺术家逼真再现的传统技巧，对材料根本属性的挖掘、对技术的炫耀、对艺术家意志的苛求以及看似漫不经心所体现出来的近乎偏执的复制、重复，使得作品累满了时间和功力,冲击着观众的感官。制作感越来越被当代艺术家作为知觉追求而刻意保留。丰富独特的视觉效果与现代艺术中的抽象理性形成对比。制作在当代雕塑作品运用中经常有几个方式出现：
　　首先是材料制作，通过对生活中常见易得材料的使用和制作，在保留原始材料的物理形态下，赋予新的艺义，使当代艺术把化腐朽为神奇的视觉传达作用送到了艺术前沿。美国的女雕塑家巴特菲尔德(Deborah Butterfield) 用各种废弃的材料塑造了许多马的形象，她的特点是在大自然中寻找材料，比如枯木，为了寻找材料，她一年中的很大一部分时间是居住在偏远的蒙大拿州(Montana)。另一半时间则是在夏威夷她的工作室里。她把找来的朽木拼成作品，用青铜浇铸，青铜制品的颜色都如原来的朽木一样。西班牙艺术大师马诺罗·瓦尔代斯的绘画和雕塑作品颠覆了传统艺术的视觉表面，题材包括人物、静物等。他对物质材料有独特的敏感，通过拼贴与绘制的结合形
　　成强烈的形式感。他的雕塑作品在形式上不拘一格，材料涉及金属、大理石、木材、纸片等，那些用旧的木材被弄碎再被重新拼贴，以及木料和铁皮制成的疯狂的头部雕像，删繁就简，巧妙地把绘画中对线条的理解，充分生动地运用到雕塑当中，令最平凡的艺术创作题材变得不再平庸。
　　其次，艺术家通过加大制作作品的数量和体量，造成强烈视觉和心理的冲击来传达对生命与自然关系的关注，英国雕塑家安东尼·葛姆雷(Antony Gormley)作品的概念从来都是简单直接，却总带给观众深层的质疑与思考。从他以自己为模具制成雕塑，并以此为出发点探索身体与空间的关系，延伸到后来自我形象消失了的实心作品。探讨人类的普遍经验达成形而上境界的可能性。在他的指挥下，完成于中国的装置作品《土地》，大约汇集起这些参与者们的190000 个小作品，这件大型作品密密麻麻的充斥了整个展出空间，安东尼说：“它试图把人类摆在作为整体的存在之内”。理查德·塞拉(Richard Serra) (美国，1939 出生)，一直以其极富挑战性与革新精神的作品，被人瞩目。塞拉的作品强调物质性，以及视角、地点与作品间的交错。在20 世纪60 年代早期，塞拉和那个时代的极简主义艺术家致力于研究非传统的、工业原料，并在作品中开始强调其艺术的物理属性。过去的这些年里，塞拉已经扩展了他用时间和空间进行雕塑的方式，将创作重点放在大规模的艺术作品上。他采用巨型的工业材料制作作品，通过运用这种大型的工业作品与人和自然空间产生的视觉和心理的强烈对比，冲击着人工最大的可能和制作的奇迹。
　　再次，艺术家穷其一生的时间复制制作，以冗长、单一、连续性的作品来对比生命的短暂和不朽，传达艺术家执著坚韧的意志。波兰著名艺术家玛格德琳娜·阿巴卡诺维兹(MagdalenaAbakanowicz)，以其行走无头人雕像系列，呈现不安、迷惑及悲壮。那些看起来一模一样的没有灵魂没有归属的躯干群，那些顽石和那些麻布扎裹成的抽象和具象的团块，肌理，形状，始终贯穿在玛格德琳娜作品中。其作品中有一种深沉而悲天悯人的气质，艺术家像一个精神的流浪者，她带着那些和她孩子一样的作品走遍欧洲。
　　最后，艺术家对制作手段的苛刻要求和技术技巧的炫耀，传达着手工情结的极限。当代澳洲艺术家Ron Mueck 在超写实基础上加大尺寸,因为没有借助翻制模特,使得巨型雕塑作品在制作上十足的展现了他作为一个雕塑家的真正功力。他的雕塑惟妙惟肖，以玻璃纤维和硅胶做材质，把人体的绒毛、皮肤、头发和表情都塑造的一丝不苟，让观者视觉和心灵上受到了强有力触动。那些比一般人身体大几倍的雕像令人心生畏惧。由此不由对联想到的复杂、繁琐、精湛、细致的制作工艺表示叹服，对艺术家的意志和韧性表示敬佩。杰夫·库恩斯是美国当代艺术家，他的作品常常被人说成“既俗又贵”。虽然是直接的对生活商品的一丝不苟的复制，但艺术家在做工上有很高的要求,他把作品做成了奢侈品，或是以奢侈品的方式去做成。它们不仅绝对精准，同
　　时也是再生产的现成品。他说“我非常注意保持原作的真实性。”他甚至不在他自己作品上签名，而是用真实字母代替。一颗约3米长，1590 千克重的“心”花费了杰夫·库恩斯10 年的时间才制作完成。
　　艺术家用独特视角观察世界的结果最终是以作品的形式呈现的。当代艺术作品在走出现代艺术的叛逆、暴躁、极端之后，变得沉稳而内敛。当代艺术家在离开了对艺术本质的思考与争辩，当代艺术家开始用各自的方式关注人类自身环境、宇宙、生命、时间，并用制作具象物质作品的方式传达对抽象物质生活的理解。被早期现代艺术怀疑抛弃的传统艺术物象开始复苏,明白易懂是当代艺术所关注的问题,物象作品的制作转向注重随意性和自发性, 而有制作就会有显示人工存在, 人工当然不能是离开精神传达而独立存在的单纯意义上的手工制作，精湛的手工在满足了视觉需求的同时也解决了人的精神要求。手工制作现已成为传达最单纯人类情感的代表性方式。

Mandy

雕塑制作工艺发展也有很长的时间了哦